一百年的《蓝色狂想曲》(Rhapsody in Blue)，一部改变音乐史的作品

　　著名的舞蹈音乐导演保罗·怀特曼想取消1924年2月12日的音乐会。此后不久，他与记者玛丽·玛格丽特·麦克布莱德(Mary Margaret McBride)合著的自传《爵士》(Jazz)也承认了这一点。但在纽约著名的古典音乐厅伊奥利亚音乐厅(Aeolian hall)的那场演出，被隆重地宣布为“现代音乐的一次实验”，最终成为了传奇。这个想法源于音乐厅的观众对古典独奏会中加入爵士曲调的喜悦。

　　怀特曼选择比任何人都更深入地研究这个想法，尽管他对后果感到恐惧。他想把当时被认为不道德甚至危险的非裔美国人社区的这种音乐类型引入复杂的古典音乐厅，从而开辟新的艺术领域。为此，他和他的23名多乐器演奏家组成的管弦乐队一起制作了一个多样化的节目，以“爵士的真正形式”的例子“制服蓝调”开始，以埃尔加和他的第一个进行曲“盛况”结束，以说明“古典音乐的范围”。但他委托年轻的钢琴家兼作曲家乔治·格什温(George Gershwin)创作一部特殊的作品，将这两种极端完美地结合起来。

　　结果就是《蓝色狂想曲》，一部改变音乐史的作品。现在，它正在庆祝它的百年诞辰，但丝毫没有失去人们的兴趣和受欢迎程度。但它也仍然存在争议。例如，在1月26日的《纽约时报》上，钢琴家和爵士评论家伊桑·艾弗森(Ethan Iverson)称其为“最糟糕的杰作”，是一首“na?ve和俗不可当”的作品，他将其比作“最好的芝士蛋糕，或者其他吸引人但不健康的东西”。

　　这对于一部广受欢迎的作品来说并不是什么新鲜事，它总是受到双方的批评。在古典方面，有人怀疑《蓝色狂想曲》是一种严格意义上的作曲，超越了一系列没有正式完整性或主题发展的旋律。在爵士乐方面，格什温(一位犹太血统的白人音乐家)对一种不属于他的语言的粗暴甚至是种族主义挪用，这是假爵士乐的典型例子，其商业成功最终使真正的爵士乐黯然失色。

　　尽管在伊奥利亚音乐厅举行的音乐会取得了巨大的胜利，但怀特曼自己在自传中整理了负面评论。在《纽约时报》上，奥林·唐斯(Olin Downes)指责他是一块颤抖的果冻，而不是主角，而在《纽约先驱报》(the New York Herald)上，劳伦斯·吉尔曼(Lawrence Gilman)认为《蓝色狂想曲》(Rhapsody In Blue)的节奏和器乐色彩是小说，但发现它的旋律和和声软弱而传统。

　　他还回忆说，许多城市的主要古典艺术家参加了这场音乐会，包括歌手阿梅里塔·加利-库尔奇，钢琴家和作曲家谢尔盖·拉赫玛尼诺夫，小提琴家弗里茨·克莱斯勒和指挥家利奥波德·斯托科夫斯基。他记得，尽管那天下着雪，但为了进入音乐会会场，还是发生了打斗和推搡。他还报告了他的财务惨败，因为他本可以卖出10倍于大厅容量的产品，但他最终损失了大约7000美元(相当于今天的10万多美元)。

　　今天，没有人怀疑，《蓝色狂想曲》使格什温成为能够超越流行音乐和古典音乐之间所谓的音乐鸿沟的先驱。理查德·克劳福德在他的作曲家传记《夏日:乔治·格什温的音乐生活》中强调了这一点。这位38岁英年早逝的音乐家没有接受过典型的学术训练，但他也不是自学成才的。他的开始可以追溯到15岁，当时他在锡盘巷成为一名作曲家，1914年，他在雷米克出版社找到了一份歌曲推销员的工作。在那里，他结识了一个名叫弗雷德·阿斯泰尔(Fred Astaire)的少年，他是一名歌曲制作人，两人分享了他们对音乐喜剧未来的梦想。

　　从1920年开始，格什温的事业得到了决定性的推动，他开始为乔治·怀特的《丑闻》作曲。这一系列的百老汇杂剧使他得以发展出未来的语言《蓝色狂想曲》。怀特曼和他的管弦乐队加入了1922年的讽刺剧团，同年格什温在一个20分钟长的节目中创作了一部纯正风格的爵士歌剧，名为《蓝色星期一》。一位纽黑文评论家认为它是“第一部真正以流行音乐为背景的美国歌剧”。他指的是四种本土音乐类型的使用:爵士乐、感伤歌曲、布鲁斯和拉格泰姆。

　　这将是他1935年黑人民间歌剧《波吉与贝斯》的雏形。但这也是他的第一部主要器乐作品的表达轴，现在已经有100年的历史了。起初，格什温不接受怀特曼的委托，但这位指挥家在报纸上登了一则广告，说服了他。多年后，在他1931年的传记中，这位作曲家向艾萨克·戈德堡承认，《蓝色狂想曲》的主要目的是证明爵士乐不应该拘谨于舞蹈节奏的严格节奏。为此，格什温加入了许多节奏各异的布鲁斯歌曲旋律，直到他创作出更自由、更不可预测的音乐。他告诉戈德堡，其中一个旋律是他在坐火车去波士顿的途中想到的，在那里他又有了一次顿悟，他在脑海中思考了整首曲子。

　　但《蓝色狂想曲》也是一部有其他贡献者的作品。我们知道，乔治的弟弟兼作词人Ira Gershwin是在考虑詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒的画作《夜曲:蓝与银——切尔西》时想出这个名字的，他将作品中基于蓝调音乐的调性词汇与弗兰兹·李斯特的形式与杰利·罗·莫顿的风格相联系的实验联系起来。他最初为两架钢琴写了这首曲子，它的乐器是由Ferde grof

　　完成的。我们还欠这位作曲家的想法，将作品的抒情和富有表现力的中心主题呈现三次，首先是弦乐，然后是整个管弦乐队，最后是钢琴。格罗夫斯特后来又为这部作品写了两个管弦乐:1926年，为一个小管弦乐队，1942年，为交响乐团，这是音乐厅里最常见的版本。它著名的开场是由怀特曼管弦乐队的单簧管独奏家罗斯·戈尔曼(Ross Gorman)设计的，那首壮观的爵士乐单簧管滑奏上升了两个八度和一个四度。

　　1924年6月，格什温与怀特曼的管弦乐队为维克托唱片公司录制了《蓝色狂想曲》，唱片销量达到了100万张。这是数百张唱片中的第一张，也是这首曲子受到热烈欢迎的开始，这使新作品的流行与新兴的美国音乐现代主义形成了对比，正如卡罗尔·j·奥贾的研究所揭示的那样，美国音乐现代主义很快就把亚伦·科普兰提升到了格什温之上。最有影响力的评论家，如保罗·罗森菲尔德和维吉尔·汤姆森，将科普兰描述为将爵士乐提升到艺术地位的艺术家，而格什温则将其保持在大众娱乐的基本水平。

　　格什温1924年实验的成功最终盖过了一切。他试图将爵士乐带入音乐厅的努力，压倒了当代和后来美国现代主义作曲家的成就，如科普兰，甚至是真正的非裔美国音乐家，如威廉·格兰特·斯蒂尔和艾灵顿公爵。围绕《蓝色狂想曲》的争论由此而来，随着拉威尔、Bartók、斯特拉文斯基等当时的欧洲著名作曲家对《蓝色狂想曲》的兴趣而愈演愈烈。

　　曼哈顿曼尼斯音乐学院(Mannes School of Music)一位作曲教授的评论，在艾弗森最近发表在《纽约时报》(New York Times)上的一篇反《蓝色狂想曲》(rhapsody in Blue)的文章中脱颖而出。这篇文章让教授再次听了格什温的作品，惊叹于它的形式奇迹，并将其与斯特拉文斯基的《春之祭》进行了比较。事实上，这位俄罗斯作曲家备受争议的作品在卡内基音乐厅的首演恰好比格什温的作品早了两周。对两种成分的反应是相关的;一些评论家甚至将《蓝色狂想曲》理解为新大陆对斯特拉文斯基的回应。格什温成为了第一个可以与欧洲巨人比肩的美国作曲家。

　　在此基础上，我们提出了一种新的评论服务，并提出了一种新的建议